MiRRoR MasK

martes, 19 de agosto de 2008

Mirror mask es una película que resultó del trabajo de dos grandes estrellas de los cómics y la literatura de fantasía: Neil Gaiman, quien es autor también de la novela “Stardust”, fungió como guionista y Dave McKean, caricaturista e ilustrador, fue el encargado de la dirección. La película surge de la idea de la productora Sony de hacer algo similar a “El laberinto” (Lucas Films) de Jim Heson, una de las películas de fantasía con mayor éxito en la historia.

El propio Gaiman cuenta en su diario que había poco presupuesto para la realización de la película, sin embargo, cuando le dijeron que habían escogido a McKean para dirigir, él no dudo en ponerse a escribir el guión. Estas dos mentes se juntaron a compartir ideas e historias, trabajaron hasta tener un primer boceto de la historia, a la que decidieron llamar: Puck, sin embargo, dado que este boceto fue terminado un 14 de febrero, el nombre cambió a Valentine.

“Dave tenía en mente hacer algo sobre una muchacha camino a una ciudad con dos mundos: el de la Oscuridad y el de la Luz. Yo por mi parte tenía la idea de una muchacha algo así como dividida en dos: dos muchachas que se sustituían la una a la otra”

La historia del film es una mezcla de las ideas de McKein y Gaiman, Helena, una adolescente que trabaja en un circo con sus padres y desea llevar una vida “normal” fuera del circo. Durante la noche su deseo parecerá haberse cumplido, parecerá que pudo al fin escapar del circo, sin embargo de ahí en adelante mucho serán las apariencias y pocas cosas tendrán lógica, Helena viajará al Mundo de la Oscuridad, un país lleno de gigantes, hombres-pájaro y peligrosas esfinges.

A pesar de haber logrado escapar del circo Helena no se quedará en este mundo sino buscará regresar al suyo, pero para lograrlo tendrá que buscar la máscara del espejo (The mirror mask), un objeto poderoso que es necesario para escapar al mundo de la oscuridad.

Esta película es aparentemente infantil, sin embargo, la problemática que enfrenta Helena durante su intento de escapar del mundo de la oscuridad puede ocasionarle muchos traumas a los infantes.

La imaginación que plasma McKean es abundante y surrealista, mezcla mitologías y elementos fantásticos propios de una manera prodigiosa; sin embargo, cabe prevenir a quienes hayan este surrealismo hartante: la película puede resultarles insoportable. Pero para aquellos que están perpetuados en la fantasía infantil: esta película será una feria de curiosidades, un circo lleno de magia y una historia que nos hubiera gustado soñar, puede incluso recordarnos un poco a Alicia en el país de las maravillas.

La fotografía de la película es un regalo para los ojos, plagada de luces y creaturas mágicas, muchas por el simple gusto de sus creadores. “Los gatos con rostros humanos han poblado los trabajos de McKean por al menos quince años”, señala Gaiman, “Las máscaras son otra obsesión de McKean.”

En cuanto a los costos de la película, los efectos, la escenografía, la utilería, entre otras cosas, puede llevarnos a pensar que es una producción de costos por demás elevados, sin embargo, la realización total de esta película no excedió los 4 millones de dólares (poco en comparación con los 40 que costó “El laberinto”).

Dos semanas fueron suficientes para rodar las escenas de “la vida real” de la película; el resto fue grabado en un estudio cuyas paredes estaban pintadas de azul, donde los actores trabajaron sus escenas durante 18 meses. El resto fue trabajo de animadores (muchos de ellos recién graduados) y del propio Dave McKean, quien no descansó hasta ver terminada la película. Tanto McKean como Geiman trabajaron hasta ver en pantalla el reflejo exacto de lo que habían imaginado apenas un par de años antes, el circo de la escena inicial es exactamente como lo imaginó McKean en su mundo de fantasía.

Acerca de su compañero de trabajo Geiman afirma: “Si yo le dijera a Dave ‘Filmemos una escena en un aula de clase’, él me respondería ‘Cuesta demasiado, hay que alquilar un aula de clase, conseguir niños, asistentes escolares, una maestra (o maestro), reservar un día para el rodaje, y todo eso.’ Me vería la cara y diría ‘¿Sabes qué, podemos arrugar el Mundo y convertirlo en una flor, y eso no te costaría nada!’”.

“Cuando Dave concluyó el rodaje en la sala con las paredes azules, procedió a mostrarles las escenas al equipo de animación técnica, quienes organizaron una discusión en grupo. Al rato, uno de ellos regresó para preguntar cuántas escenas con efectos especiales requería la película, y Dave le contestó que sólo una… de 80 minutos de duración”.

Mirror Mask fue presentada en el Festival de Cinematografía de Sundance, donde la aceptaron como una película independiente, aunque hubiera estado financiada por Sony, sólo por el hecho de estar producida por Dave McKEan, prácticamente hecha a mano según Geiman.


Y ahora, ya para terminar, les dejamos una muestra de la peli, nuestra escena favorita:

Spiderman 3

lunes, 28 de julio de 2008


Spider-Man 3

Hoy hablaremos de la nueva identidad de nuestro Hombre Araña. Esto es la tercera parte de la trilogía que en sus intentos por rescatar los cómics, realizó Sam Raimi.

Canción
(Signal Fire -Snow Patrol)

¿Por qué hablar de los Super héroes?

Un superhéroe es un personaje de ficción cuyas características superan las del héroe clásico, generalmente con poderes sobrehumanos. Legalmente, sólo los personajes pertenecientes a Marvel Comics o DC Comics pueden hacerse llamar "super-héroes", ya que es una marca registrada en Estados Unidos.

Las narraciones de superhéroes constituyen un subgénero de la ciencia ficción y pueden considerarse el trasunto moderno de las historias de los héroes y dioses de las mitologías clásicas, con la diferencia de que el elemento religioso ha sido sustituido por la ciencia ficción.

Hablando en específico de Peter Parker, o sea Spiderman, el origen de su poder tiene lugar en un experimento científico, posee esta capacidad especial de producir telarañas y colgarse de los edificios. Tiene una lucha desinteresada en defensa del inocente, ya sea combatiendo el crimen, la catástrofe, o cualquier otra eventualidad de este tipo. Y por supuesto, no podría faltar su galería de villanos, estos anti-héroes que harán todo lo posible para que no logre su cometido.

Canción
(Move Away -The Killers)

¿Qué pasa en esta tercera parte?

Peter Parker (Tobey Maguire) finalmente tiene a la chica de sus sueños, Mary Jane Watson (Kirsten Dunst). Pero de repente, un extraño transforma a Spider-Man a un traje negro, los demonios oscuros cambian al Hombre Araña tanto en su exterior como en su interior. Spider-Man tiene que luchar por su vida contra un grupo letal de villanos: Sandman (Thomas Haden Church), Venos (Topher Grace), y New Goblin (James Franco), así como con el enemigo más grande que es él mismo.

En Spider-Man 3, basada en la legendaria serie de Marvel Comics, Peter Parker ha conseguido finalmente equilibrar la balanza entre su devoción a M.J. y sus deberes como superhéroe. Pero una tormenta se avecina en el horizonte. Cuando su traje se transforma de repente, convirtiéndose en negro y potenciando sus poderes, también transforma a Peter.

Bajo la influencia del traje, aparecen el orgullo y el exceso de confianza de Peter y empieza a dejar de lado a los que más se preocupan por él. Aunque dos de los más temidos villanos, Hombre de Arena y Venom, consiguen un poder sin parangón y sed de castigo, la mayor batalla de Peter es contra sí mismo. Spider-Man tendrá que volver a descubrir la compasión que lo convierte en lo que es: un héroe.

Canción
(Red River - The Walkmen)

¿Qué le salió bien a Sam Raimi y qué no le salió tan bien?

- Peter Parker en los cómics es como un sólo un chavo retraído, pero cool y caché, un chavo listo digamos y en la película se retrata como un geek, nerd, etc., eso le resta coolness al personaje.

- La trama, de una estética gótica en la que se apreci la influencia de Tim Burton sobre Sam Raimi.

- Para los directivos de nuestro campus, creemos sería el chico favorito ¿no crees Lola? Es así como el superhéro prototipo salido del tec, es todo un universitario listo

Canción
(Please To Meet You -Wolfmother)

Acerca de la canción de los yeah yeah yeahs (mi favorita x cierto): Algo del gancho principal y la progresión inicial de la rola tienen esa sensación de ser una canción de soundtrack, épica. Pero no hay truco: todo el tiempo se encuentra el sello propio de los Yeah’s. Ya sea por la inconfundible voz de Karen o por la versátil y poderosa guitarra de Nick Zinner que pareciera a momentos guiarlo todo. La parte en la que alterna con la voz es inmensa, 2:25 marca un cambio que da pie a la intermitencia guitarra/voz, termina y deja deseando más.

Canción
(Sealings- Yeah Yeah Yeahs)

Soundtrack

1. Signal Fire-Snow Patrol
2. Move Away-The Killers
3. Sealings-Yeah Yeah Yeahs
4. Pleased To Meet You-Wolfmother
5. Red River-The Walkmen
6. Stay Free-Black Mountain
7. Theme From Spider-Man-The Flaming Lips
8. Scared Of Myself-Simon Dawes
9. The Twist-Chubby Checker
10. Slightlines-Rouge Waves
11. Summer Day-Coconut Records Feat. Kirsten Dunst
12. Fallen Star-Jet
13. Portrait Of A Summer Thief-Sounds Under Radio
14. A Letter From St. Jude-The Wasted Youth Orchestra
15. Small Parts-The Oohlas
16. Cut Off The Top-The Beatsteaks [Remix]

- Chequen el video del grupo escocés Snow Patrol para ‘Signal Fire’, canción que está incluida en la “Banda Sonora de Spiderman 3” y que resume “Spiderman” y “Spiderman 2”.

- A diferencia de los dos primeros soundtracks de Spiderman, este álbum no contiene ninguna de la música instrumental de Christopher Young.

- La edición especial de este álbum contiene el bonus track: Theme from Spider-Man de The Flaming Lips

- Después de su lanzamiento, este soundtrack ocupó el lugar # 33 en el U.S. Billboard 200 (...) con alrededor de 21,000 copias en ventas sólo en la primera semana.

-Spiderman 3: The Official Soundtrack contiene las nuevas canciones de The Yeah Yeah Yeahs, the Flaming Lips, Record Collection's own Walkmen, The Killers, Black Mountain, Wolfmother, Rogue Wave, Jason Schwartzman (aka Coconut Records)

- El soundtrack estuvo producido por Dave Sardy (Walkmen, LCD Soundsystem, Oasis, Wolfmother).




Shrek 1

martes, 22 de julio de 2008


Shrek!

Shrek! que en alemán significa TERROR o en Yidish (שרעק ) MIEDO ha sido una de las 10 películas más taquilleras de la historia del cine según el programa On Top del canal Fashion TV. Este ogro color verde está inspirado en un caso de la vida real, el luchador francés Maurice Tillet, quien desarrolló acromegalia, una enfermedad endocrinológica que altera en exceso la producción de hormona del crecimiento y provoca una serie de deformidades físicas y desproporciones en extremidades y cabeza.

Si no lo creen aquí les dejamos la página para que conozcan un poco más acerca de este peculiar personaje: http://www.anfrix.com/la-conmovedora-historia-de-maurice-tillet/

Fue en el 2001 que salió esta película y hoy día sigue dando de que hablar con su segunda y tercera parte, el premio de la academia como mejor película animada (premio que se introdujo por vez primera en ese año), el doble platino en ventas del primer Soundtrack, y con el ahora en puerta musical de Broadway: http://www.shrekthemusical.com/

Cabe destacar que fue precisamente esta película la que ayudó a DreamWorks a establecerse como el principal competidor de Walt Disney Pictures, en el campo de la animación digital.

LA HISTORIA!

Shrek! Es un libro de dibujos escrito e ilustrado en 1990 por William Steig, acerca de un joven ogro quien encuentra al ogro de sus sueños, cuando déjà su casa para explorer el mundo. La película esta vagamente basada en el libro, ya que aunque existen los personajes de Shrek y la Princesa Fiona, éstos evolucionan durante la película. Además se incluyen nuevos elementos que no existen originalmente en el libro tales como:

-Se incorporan personajes de otros cuentos de hadas, tales como Blanca Nieves y El Hombre de Gengibre, así como nuevos personajes: El Burro, y un villano, el Señor Farquaad.
-Un final donde Fiona, una mujer humana, se trasforma en un ogro hembra, mientras que el libro original plantea un ogro hembra desde el principio.

-Shrek fue recreado para la película. En ésta, él es calvo, usa diferente ropa y tiene más rasgos humanoides, como los dientes.

EL SOUNDTRACK!

Esta película que maneja un humor para chicos y grandes incluye música de notable tendencia pop. El soundtrack incluye música de Smash Mouth, Joan Jett, The Proclaimers, Jason Wade, The Baha Men y Rufus Wainwright.

Se lanzaron dos soundtracks para la primera parte de la película Shrek en 2001:
  • Shrek: Music from the Original Motion Picture. La banda sonora lírica por varios artistas.
  • Shrek: Original Motion Picture Score: la música instrumental, compuesta por Harry Gregson-Williams y John Powell.
La banda sonora!
  1. "Stay Home" - Self
  2. "I'm a Believer" - Smash Mouth
  3. "Like Wow!" - Leslie Carter
  4. "It Is You (I Have Loved)" - Dana Glover
  5. "Best Years of Our Lives" - Baha Men
  6. "Bad Reputation" - Halfcocked
  7. "My Beloved Monster" - Eels
  8. "You Belong to Me" - Jason Wade
  9. "All Star" - Smash Mouth
  10. "Hallelujah" - Rufus Wainwright (Escrita e interpretada originalmente por Leonard Cohen, lo que realmente aparece en la película es un cover por John Cale, y no la version de Rufus Wainwright’s, la cual fue sustituida por la de Cale en este soundtrack).
  11. "I'm On My Way" - The Proclaimers
  12. "I'm a Believer (reprise)" - Eddie Murphy
  13. "True Love's First Kiss" - John Powell

Otras canciones

Las siguiente es una lista de canciones que compusieron la película, pero que no están incluidas en el soundtrack: "Meditation" - Antonio Carlos Jobim / "On the Road Again" - Eddie Murphy / "Friends" - Eddie Murphy / "Whipped Cream" - Herb Alpert and the Tijuana Brass / "Escape" (The Piña Colada Song) - Rupert Holmes / "Try a Little Tenderness" - Idi Amin and the Cannibal Seven / "Let it be" - The Beatles

Canciones que bailan en la fiesta

En la escena final de la película, todos los personajes bailan y cantan en una gran fiesta. Las canciones que fueron incluidas son las siguientes: "Just The Way You Are" by Billy Joel / "Like a Virgin" by Madonna / "Baby Got Back" by Sir Mix-A-Lot / "Feelings" by Morris Albert / "YMCA" by The Village People / "Stayin' Alive" by The Bee Gees / "Who Let the Dogs Out" by The Baha Men / "Dance to the Music" by Sly & The Family Stone / "Happy Together by The Turtles

LA ESCENA FAVORITA!


... 1 ...

iTuNeS

jueves, 17 de abril de 2008

Para todos aquellos usuarios de mac, linux, o sencillamente para quienes NO quieren abrir Windows Explorer pero cuentan con el reproductor iTunes, he aquí una forma alternativa para escuchar nuestro programa(y todo expresatec en general):
Paso 1: Abrir i-Tunes
Paso 2: Oprime la tecla Ctrl y la letra "u" al mismo tiempo.
Paso 3: en la pantalla emergente coloca la url: http://radiotec.qro.itesm.mx:8000/ y Acepta.
Aqui un ejemplo de como se ve esto:

LISTO!!! ahora puedes escucharnos desde el itunes, el link aparece como una pista más de audio con el título de "expresatec"

* Mil gracias a lhchavez por pasarnos este tip.

BaBeL

domingo, 6 de abril de 2008

Esta semana tuvimos nuevamente la banda sonora de una película mexicana; nominada a 7 Óscares y ganadora del correspondiente a la mejor música: Babel, reafirmando nuestro gusto por el cine dirigido por Iñárritu, los guiones de Guillermo Arriaga y por supuesto la música del argentino Gustavo Santaolalla.
En la Biblia se menciona que la Torre de Babel fue construida con la finalidad de alcanzar el cielo, Yahveh, para evitar el éxito de la empresa (y debido a que se oponía a su propósito de que la humanidad se extendiera por toda la superficie de la Tierra, se multiplicara en ella y la sojuzgara), hizo que los constructores comenzasen a hablar diferentes lenguas, luego de lo cual reinó la confusión y se dispersaron.
González Iñárritu da título a su película, partiendo de una idea similar a este mito bíblico, hace referencia a la confusión de las lenguas, factor que incomunica a los seres humanos.
Al igual que Amores Perros y 21 gramos, en Babel no se cuenta una historia sino 3 que al final logran enlazarse. Junto con las dos anteriormente mencionadas, esta película completa la Trilogía de la muerte de González Iñárritu.
La historia de una mexicana ilegal que trabaja como niñera en la casa de un matrimonio Norteamericano que tiene dos hijos, un viaje relativamente fácil a la boda de su hijo –mientras los patrones no están en casa- vuelve su vida en una historia de terror con clímax en medio del desierto. Mientras tanto, los padres de estos desafortunados infantes están de viaje por tierras asiáticas, en un viaje de vacaciones que no los eximirá del infortunio que se vive en su hogar americano.
Un rifle cae en manos de un par de infantes marroquíes que salen en busca de sus cabras. Mientras dan rondines por el desierto, sin medir la magnitud de sus acciones, dan rienda suelta a sus travesuras; una bala va más lejos de lo que ellos imaginan y colisiona con un grupo de vacacionistas ¿Se imaginan quienes?
Por último, una adolescente japonesa sorda; cuyo padre guarda un papel importante en la historia, durante el transcurso de la película podemos ver la forma en que la adolescente se mueve en su propio mundo, ajena pero al mismo tiempo expectante.
Los personajes de esta película siempre estarán aislados debido a su propia incapacidad de comunicarse efectivamente con su entorno.
En esta película, Iñárritu trata temas como los problemas de comunicación en un mundo globalizado, caracterizado por el exceso de información pero, desde su punto de vista, falto de conocimiento auténtico.
El final NO feliz de esta película vuelve a ser un elemento importante. En las dos horas de largometraje, González Iñárritu y Arriaga torturan física y psicológicamente a sus personajes. La forma en que fue grabada la película también ayuda a la construcción del ambiente del film: cámara nerviosa, montaje entrecortado, fotografía de paisajes anaranjados y azulados.
Esta película fue rodada en tres continentes y cuatro idiomas, describe con realismo las barreras que separan a los seres humanos, como evocación al concepto de la torre de Babel, usa recursos como: las identificaciones erróneas, los malentendidos y las oportunidades fallidas, manos invisibles que guían nuestras vidas. La película ha acabado siendo, para todos los que han participado en ella, un viaje físico y psicológico muy parecido al que realizan los personajes.
El reparto de la película, formado por Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Kôji Yakusho, Adriana Barraza y Rinko Kikuchi, entre otros, encabezan un interesante reparto que incluye también a actores no profesionales procedentes de Marruecos, Tijuana y Tokio, subrayando así la diversidad cultural de Babel.
La idea original de la película fue de González Iñárritu y Guillermo Arriaga, apoyados por los productores Jon Kilik, Steve Golin. El equipo técnico está formado por el director de fotografía nominado por la Academia Rodrigo Prieto (Brokeback Mountain/En terreno vedado); la ganadora del Óscar por diseño de producción Brigitte Broch (Moulin Rouge), el ganador del Óscar Stephen Mirrione (Traffic), y el compositor –y también ganador del Óscar- Gustavo Santaolalla (Brokeback Mountain/En terreno vedado).
Para el director Alejandro González Iñárritu, hacer esta película ha sido el equivalente a un recorrido transformador. Según dice, ha sido el mayor reto fílmico al que ha tenido que enfrentarse y ha cambiado a todos los que se han visto involucrados.
"Babel cobró vida a partir de la necesidad moral de liberarme y hablar de cosas que me llenaban el corazón y la mente: el dolor que existe en el mundo, en lugares cercanos o distantes, simbolizado por el estudio de tragedias personales".
"La realización de Babel ha sido en sí una especie de torre de Babel”
"El rodaje no ha tenido nada que ver con lo que había hecho hasta ahora. En realidad, ha sido como rodar cuatro películas diferentes, intentando sumergirnos en cuatro culturas y no verlas desde un punto de vista foráneo. Para empezar, la logística ya era todo un reto, pero lo más difícil era la parte emocional e intelectual. Babel no solo era un viaje externo, sino interno. Nos ha transformado a todos sin excepción. La película también cambió porque me vi obligado a reescribir cada historia según la cultura y las circunstancias".
Para Alejandro González Iñárritu "Babel no contesta a la pregunta ‘¿De dónde soy?’ sino más bien a la de ‘¿Adónde voy?’".

Para dar vida a los personajes de Babel, Alejandro González Iñárritu reclutó a un reparto muy diverso, en él encontramos desde grandes estrellas del cine tanto mexicano como internacional, actores que posiblemente no tengan en común sino el hecho de haber trabajado en este filme, no tenían en común ni la experiencia ni el idioma. Cada uno de ellos aportó algo único a la película. En más de una ocasión Iñárritu expresó que un reparto semejante representaba un reto fantástico: "Una cosa es dirigir a actores en un idioma que no es el tuyo; otra cosa es dirigir a actores en un idioma que no conoces, pero también está dirigir a personas que no son actores en un idioma que no entiendes", dice Alejandro González Iñárritu, que tuvo que enfrentarse a los tres casos durante el rodaje de Babel.
Para el papel de Richard Jones, Iñárritu quería un ícono americano: Brad Pitt encarna a este personaje, un hombre profundamente dolido que se encuentra en medio de un terrible dilema muy lejos de su hogar. Brad nunca había interpretado un papel así, tuvo que transformarse en un hombre de mediana edad en plena crisis y el resultado fue asombroso.
Para el papel de Susan, la mujer de Richard, Alejandro González Iñárritu sabía que necesitaba a una gran actriz, en la película el personaje se queda en un semi coma durante la mayor parte de la película, no contaba con muchos recursos físicos, así que todo depende de sus ojos y de su capacidad para comunicar su dolor. La gravedad de la situación estaba en sus manos, pero Cate Blanchet tuvo a la altura del papel. “Es una princesa a cualquier nivel” dijo Iñárritu.
En cuanto a la música, que es lo que nos concierne, los tracks son también pluriculturales, en idiomas diversos y a veces incluso sin letra; populistas y sensibleros, chill out cinematográfico, la pareja mexicana llena sus fiestas de banda y besitos cachichurris, el silencio que envuelve a la sordomuda en el estruendo de la discoteca y Marruecos es sonorizado con la Guitarra de Santaolalla que envuelve el film.

Moulin Rouge!

lunes, 31 de marzo de 2008

No Laws. No Limits. One Rule. Never Fall In Love Love.

Este musical, del director Baz Luhrmann, escrita por el mismo director en compañía de Craig Pearce, cuenta la historia de un poeta (Ewan MacGregor) quien se enamora de una bella cortesana (Nicole Kidman), a quien un celoso duque codicia. Su música data del S. XX, sin embargo tiene una soundtrack que viene en un álbum doble y entre los artistas que constituyen la creación de las canciones de la banda sonora se puede mencionar a: Craig Armstrong, Elthon John, Marius De Vries, Beck, David Bowie, y muchos más. Definitivamente, una banda sonora muy rica en variedad de estilos y de épocas.

Moulin Rouge (en español significa Molino Rojo) es un cabaret tradicional, construido en 1889 por Josep Oller. Está situado en el distrito luz roja de Pigalle en el Boulevard de Clichy, al pie de Montmartre, en París, Francia. El Moulin Rouge es un símbolo emblemático de la noche parisina, el edificio posee una rica historia que aún continúa.La importancia del Moulin Rouge, hoy día es que ha trascendido en nombre y época. En la película se logró recrear la época por medio de la ambientación. Fue filmada en Fox Studios; Sidney, New South Wales, Australia & Madrid, Spain.Ganó el premio Oscar como Mejor Dirección de Arte y Decoración en Set, la cual estuvo a cargo de Catherine Martin y Brigitte Broch, respectivamente. Asimismo, ganó el Oscar como mejor vestuario, que estuvo a cargo de Catherine Martin y Angus Strathie.

... Y más premios: Ganó en los premios AFI Film, como el compositor del año, Craig Armstrong. Así como al mejor editor del año, Hill Bilcock.

La película relata una historia típica de amor imposible, entre un pobre escritor y Satine, quien muere de tuberculosis, que es la enfermedad de ese tiempo. Con esto retrata una época, una realidad social, y al mismo tiempo se logra recrear un mundo de fantasía mediante las coreografías y las canciones. A final de cuentas, un musical bien llevado a cabo. Con grandes sorpresas a lo largo de la historia. Mantiene un buen ritmo.

Y sin duda las actuaciones de Nicole Kidman y Ewan MacGregor, así como sus interpretaciones, las cuales sí son reales, son ellos mismos quienes cantan las piezas que conforman el musical y que al mismo tiempo, por su puesto son el soundtrack de la película. Por ahí se cuestiona si es Nicole Kidman quien realmente interpreta la canción “Hindi Sad Diamonds”, porque hay una parte que tiene una nota muy alta.

la escena favorita!

Elephant Love Medley

Es un mix de las canciones: "All You Need Is Love" / "I Was Made For Lovin' You" /"One More Night" / "Pride (In The Name Of Love)" / "Don't Leave Me This Way" / "Silly Love Songs" /"Up Where We Belong" /"Heroes"/ "I Will Always Love You" / "Your Song".


Nada mejor para evocar estas imágenes parisinas que esta película del Moulin Rouge! y la música que la acompaña!

The hills are alive, with The Sound Of Music.

I love it!



La PaSióN de CriSto

viernes, 14 de marzo de 2008

En este viernes previo a la “Semana Santa”, quisimos ponernos muy adhoc con la temporada y les pusimos la banda sonora de “La Pasión de Cristo”, la música de esta película es relajante, tranquila, apenas adecuada para esta semana en que terminamos segundos parciales.
Dirigida por Mel Gibson en el año 2004, definitivamente una película que levantó polémica –sobretodo en la comunidad judía- debido a las violentas escenas que se desarrollan a lo largo de la película. La trama se parece en mucho a las representaciones del “Via crucis”, toda una tradición en muchos lugares de nuestro país.
La pasión de Cristo es un filme en el cual se recrean las últimas 12 horas de la vida de Jesús de Nazareth, desde el momento en que acude al Huerto de los Olivos, a orar tras la última cena, enfrentándose a las tentaciones del diablo; narra la traición de Judas Iscariote, quien ayuda a que lo arresten para ser juzgado por blasfemia, según denunciaban los fariseos.
Jesús es presentado ante Pilatos, el Gobernador Romano de Palestina, quien escucha las acusaciones levantadas contra él y se da cuenta de que se trata de un conflicto político, delegando el asunto en el Rey Herodes que no tarda en devolverlo a las autoridades romanas para ser juzgado.
Pilatos da a escoger al pueblo a quien debe liberar, La multitud salva a un ladrón llamado “Barrabás” y condena a Jesús, quien es flagelado y castigado por soldados romanos.
Jesús camina por Jerusalén con la cruz a cuestas, se dirige a Gólgota, donde será crucificado. Ahí, clavado en la cruz dice sus últimas palabras “En tus manos entrego mi espíritu”
El guión de esta película fue escrito por el mismo Mel Gibson en colaboración con Benedict Fitzengarld. Es una adaptación de los relatos sobre la pasión que recogen los textos bíblicos, concretamente los evangelios según San Mateo, San Marcos, San Lucas y San Juan.
Algo interesante de esta película son los idiomas, ya que cada uno de los personajes habla en la lengua original que tenía en aquella época. Entre los distintos lenguajes que podemos escuchar dentro de la película tenemos: Arameo, latín coloquial, griego, entre otros.
Para lograr la ambientación necesaria para esta película, la cuidad de Jerusalén fue reconstruida en los estudios “Cinecittà” a las afueras de Roma, el decorado estuvo a cargo del Diseñador de producción Franciasco Frigeri y el Diseñador de Decorados Carlo Gervasi. La reconstrucciónd e la cuidad abarcó el templo donde el tribunal religioso juzga a Cristo, el patio en el que tienen lugar varias audiencias ante el Palacio de Pilatos y la Cámara en la que Jesús es golpeado y azotado.
Si hablamos del lado artístico y creativo de esta película, no podemos dejar de mencionar el trabajo del Director de Fotografía: Caleb Deschanel, quien (por petición de Mel Gibson) creó para la película una atmósfera similar a la de las obras del pintor Barroco italiano Caravaggio, cuyas imágenes son reconocidas por el naturalismo que hay en sus contrastes y sombras. Para lograr algunos de estos efectos de luz, muchas de las escenas fueron rodadas de noche, para conseguir el efecto de la luz abriéndose paso entre la oscuridad.
En esta película, el arte estuvo hasta en el detalle más ínfimo. El vestuario fue cuidadosamente diseñado por Mauricio Millenoti, diseñador galardonado por su trabajo en vestuario de obras como “Hamlet”, “LA importancia de llamarse Ernesto”, entre otras. En cuanto al maquillaje de los personajes, para lograr la imagen deseada por el director, el actor James Caviezel, protagonistadel filme, soportaba sesiones de maquillaje de hasta 7 horas. Esto fue para rodar las escenas finales de la película, debido a lo complicado que resultaba maquillar heridas y sangre, llenos del atormentado realismo que se buscaba proyectar.
Un dato curioso acerca de esta película fue su cambio de nombre. El 17 de octubre de 2003, la compañía productora de Gibson anunció que el título de la película, The Passion (La Pasión), había sido cambiado a The Passion of Christ (La Pasión de Cristo) debido a que The Passion había sido utilizado en otra producción y los derechos de autor se encontraban reservados. A la semana siguiente Gibson anunció que se había llegado a un acuerdo con la distribuidora Newmarke Films para la distribución de la película.
¿Más datos curiosos?
* La película fue proyectada al Papa, quien declaró que "así ocurrió", y la posición de la Iglesia católica ha sido en general favorable.
* Además de los evangelios, el guión tiene como fuente los escritos de la religiosa alemana Anne Catherine Emmerich.
* No hay créditos de apertura al comienzo de la película.
* Gibson tenía a un sacerdote canadiense celebrando una multitudinaria misa católica en latín todos los días antes del rodaje.
* Durante el rodaje Caviezel fue alcanzado dos veces por un rayo y durante la flagelación fue azotado accidentalmente en dos ocasiones.
* No aparece el título de la película hasta el final.
Antes de poner la última canción de este programa, compartimos con ustedes una declaración que hizo Mel Gibson acerca de la película durante una entrevista:
Quería que fuera chocante. Y quería que fuera extrema... Para que vieran la enormidad, la enormidad del sacrificio; para que vieran que alguien pudo soportar todo ello y, sin embargo, continuar transmitiendo amor y perdón, incluso después de un dolor, sufrimiento y ridiculización extremos. Tengo la esperanza de que esta película llena de coraje y sacrificio, inspire tolerancia, amor y perdón, que es lo que necesitamos en este mundo últimamente”

Nos vemos regresando de vacaciones!!!!